FERMO IMMAGINE. La Bellezza, un racconto Blue note

Riccardo Mannelli, Hasta mañana 11, tecnica mista su carta cotone 100%, cm 70x100, 2016

Nel 1898 Gustav Klimt realizza la prima versione della sua opera Nuda Veritas, una litografia pubblicata su “Ver Sacrum”, rivista della Secessione Viennese: una figura femminile stante, che si mostra completamente nuda a noi, senza pudore, con uno specchio in mano rivolto verso chi guarda, esorta lo spettatore a confrontarsi con la verità, insidiata dal serpente che incarna la menzogna. Un nudo non idealizzato che diviene icona definita da una fissità e inquietudini nuove, che parla all'uomo contemporaneo attraverso una nuova simbologia, che corrisponde alle esigenze culturali, politiche e sociali del tempo, inevitabilmente manifesto dell'arte come libera messaggera di verità della propria epoca. Nella parte alta dell'incisione un'iscrizione, citazione di una frase dello scrittore tedesco Leopold Schefer, introduce al tema: “La verità è fuoco e parlare della verità significa illuminare e bruciare”. Klimt, conscio della forza dirompente di un'immagine non idealizzata, che urta e scuote gli animi degli spettatori, parlando di loro stessi, mettendoli di fronte ad un ideale specchio, dichiara attraverso un titolo e un'iscrizione un concetto, mediando con la parola l'immagine creata. Per parlare di nuda verità concretizza l'immagine in una donna nel fiore degli anni, rappresentante di una bellezza reale, concreta. La bellezza dunque come verità?

La Bellezza è un valore asimmetrico, privo di reciprocità, privo di risposta, ma percorso da una inevitabile e accecante carica di verità. La sua trama va seguita, interpretata, e dietro ad essa si cela il segreto delle cose del mondo. Il valore intrinseco della bellezza si nasconde qui, nella sua capacità di alimentare lo spirito, di risvegliare dal torpore il nostro pensiero, di raccontarci il vero, di essere, dunque, verità.

Le immagini delle opere di Riccardo Mannelli sono caratterizzate da una schiettezza tale che non permette allo spettatore di ignorare o di equivocare ciò che sta guardando. La sua è un’immagine- verità, sostenuta dal rigore di un’indagine, che, mentre si nutre e si arricchisce della ricerca ossessiva del dettaglio, mai si riduce ad una pedissequa annotazione del reale. Mannelli ricostruisce il suo mondo di cose e persone col procedere lento di segni e colori: la costante ricerca dell’evidente e del suo manifestarsi interiore diventa per lui strumento e metodo che gli consente di penetrare l'intima essenza delle cose.

Un'essenza che “illumina e brucia”, come dice Schefer, che insegna agli occhi come rimettersi a vedere, per cogliere, nello stesso istante, l’invisibile nel visibile.

La bellezza come verità pervade, nella serie degli Hasta mañana, le coppie distese, corpi abbracciati e avvinti dall'amore, che si nutrono della loro reciproca presenza e che non si possono definire figure perché la loro consistenza è reale e quasi tangibile. Sono corpi incisi dal tempo e dalla vita, corpi vivi e vitali, corpi anziani, corpi sgraziati o bellissimi, normali e straordinari al tempo stesso, che esistono in quell'hic et nunc di cui tutto è partecipe: ogni particolare è sostanziale.

L'interesse è puntato sulle diversità, che vengono enfatizzate, esasperate, sottolineate fino a diventare punto focale dell'attenzione e le figure vivono in consustanzialità con la realtà attorno, fatta di abiti, stoffe, divani, pavimenti, tende, senza soluzione di continuità espressiva.

Le figure singole, di donne che affermano il proprio essere (Sono una donna; Blues) o che si mostrano nell'attimo prima dell'atto sessuale, offrendo l'autenticità del proprio donarsi, creano una selva di apparizioni e desideri, nell'avvicendarsi ed esplicarsi di ripetizioni e variazioni. Sono figure preparate a sostenere e attendere lo sguardo, a cercarlo, ricambiarlo in un tempo disteso, occasione contemplativa ed effimera, che partecipa del tempo del sogno, della memoria, della cura e del tempo stesso dell'immagine, in visioni ricolme di vita e sempre consapevoli della morte.

L'immediatezza di queste immagini nasce anche dalla modalità stessa con cui si formano: Mannelli lavora senza un disegno preparatorio o un abbozzo, ma solo partendo dai parametri di riferimento, come si fa nella pratica, da lui sedimentata negli anni, del disegno dal vero. Così il disegno si forma, assorbito dalla carta cotone da acquarello su cui lavora, con pastelli, colori ad acqua e olio per lumeggiare, con segno inciso, attraverso una mano “pesante” che in certi casi arriva quasi al limite dello spessore del foglio.

Nulla è lasciato al caso e così nel taglio delle composizioni e nella costruzione del disegno di queste figure si ritrovano punti di riferimento che affondano le loro radici nella tradizione artistica passata, partendo dal Quattrocento toscano, attraverso poi il simbolismo e l'espressionismo tedesco e per autori come Klimt, Kokoscka e Schiele, da cui mutua una nuova sintesi fra spirito e sensi, declinata in una dimensione più intima della realtà. Fra i contemporanei è vicino al realismo neo-espressionista di Lucian Freud, di cui sottolinea i segni che l'esistenza lascia sui corpi umani. Di Francis Bacon riprende e richiama la pittura che inventa il corpo e lo pone nello spazio, nella superficie del quadro, secondo un movimento capace di pensare un corpo, concedendo allo sguardo angolature e superfici inedite. 

R. Mannelli, La stupidità (carne indifferente alla carne), tecnica mista su carta cotone 100%, cm 100x100, 2016

Quello che si crea è allora un racconto, è storia simultanea, che si fa percorrere a grandissima velocità nel momento in cui la parola-segno rallenta, concentra e dilata lo spazio. Del resto il racconto è, come dice Roland Barthes, una categoria trans-storica, fuori dal tempo, che può sostanziarsi in innumerevoli supporti materiali, dalla parola, al gesto, alla scrittura, all'immagine. Mannelli è un autore di racconti in cui la maggior parte dell'atmosfera resta sospesa per tendere l'immaginazione, per creare un equilibrio che è sempre precario, per cogliere il qui e ora, cancellando un solo modo di raccontare e istituendone un altro, differente, dotato di un ritmo proprio. E' il ritmo del racconto nelle immagini che si nutre anche di numerose suggestioni letterarie, che vanno da Baudelaire a Rilke, da Conrad a Mann, fino ad arrivare a Celine (Viaggio al termine della notte e Bagatelle per un massacro, innanzitutto). E' un ritmo Blues, come il titolo di una serie di sue opere, che assume forme contratte o sincopate o aleatorie, ritmo leggero che si fa musicale per congelare le espressioni in un arco delicato del loro svolgimento.

Il ritmo è dato allora dai segni del disegno, che costruiscono un senso proprio, capace di disturbare, sedurre, stupire, e convincere.

La sua pittura è questa sorpresa, è la sorpresa di un racconto dominato da attimi folgoranti e squisiti, animati da una mitologia tenace e da una suggestione quasi ipnotica. Non astuzia dell'effetto, ma condizione narrativa rappresa tra i grumi opachi e forti dell'immagine: un racconto blue note eseguito per noi.

Alessandra Frosini

(testo pubblicato nel catalogo della mostra Riccardo Mannelli. Bellezza vera)

Catalogo della mostra

Riccardo Mannelli, Hasta mañana 9, tecnica mista su carta cotone 100%, cm 70x100, 2016

STILL FRAME. Beauty, a blue note story

In 1898, Gustav Klimt painted his first version of Nuda Veritas, a lithograph published in “Ver Sacrum”, the journal of the Vienna Secession: a female figure, standing completely naked before us, with no modesty, holding a mirror in one hand, turned towards the onlooker, exhorting the spectator to face up to the truth, undermined by the serpent which embodies lies. A non-idealised nude, it becomes an icon defined by a new firmness and apprehensions, which speaks to contemporary man using a new symbolism that corresponds to the cultural, political and social needs of the time, inevitably a manifesto of art as a free messenger of truth of its day. At the top of the etching, an inscription, quoting the German writer Leopold Schefer, introduces the theme: “Truth is fire, and to speak the truth means shining and burning”. Klimt, aware of the explosive strength of a non-idealised image which strikes and moves the souls of spectators, speaking of them and placing them before an ideal mirror, uses the title and an inscription to declare a concept, mediating the image created with words. To speak of naked truth, he embodies the image of a woman in the prime of her life, representing a real, tangible beauty. Does this equate beauty to truth?

Beauty is an asymmetric value, lacking in reciprocity, lacking answers, but accompanied by an inevitable and blinding charge of truth. Its plot must be followed and interpreted, and it disguises the secret of worldly things. The intrinsic value of beauty is hidden here, in its ability to feed the soul, to reawaken our thoughts from their slumber, to tell us the truth and, consequently, be the truth.

The pictures of the works by Riccardo Mannelli are characterised by such frankness as to prevent spectators from ignoring or misunderstanding what they are looking at. His is an image-truth, sustained by the rigour of an investigation which, while it feeds on and is enriched by the obsessive search for detail, is never reduced to a slavish annotation of reality. Mannelli reconstructs his world of things and people with the slow procedure of signs and colours: the constant search for the obvious and for its inner manifestation becomes a tool and method which allow him to penetrate the intimate essence of things.

An essence which “shines and burns”, to quote Schefer, which teaches the eyes how to see again, to grasp, in the very same instant, the invisible within the visible.

In the Hasta mañana series, beauty as truth pervades the couples stretched out, bodies embraced and captivated by love, nourished by their mutual presence, which cannot be defined as figures because their consistency is real and almost tangible. They are bodies etched by time and life, living bodies that are alive, old bodies, graceless or beautiful bodies, normal and extraordinary at the same time, which exist in that hic et nunc of which everything is part; every detail being substantial.

Interest is focused on the differences, which are emphasised, exasperated and underscored, to the point where they become the focal point of attention and the figures exist in consubstantiality with the reality around them, made up of clothes, fabrics, sofas, floors and curtains, characterised by endless expressive continuity.

The individual figures of women who confirm their existence (Sono una donna; Blues) or who reveal themselves in the moment that precedes sex, offering the authenticity of their giving themselves, create a forest of apparitions and desires, in the alternation and explanation of repetitions and variations. They are figures prepared to sustain the gaze and to expect it, to seek it out and exchange it in a relaxed, contemplative and fleeting moment which is part of the time of dreams, of memories, of care and of the time of the image itself, with visions full of life and always aware of death.

The immediacy of these images stems also from the way in which they are formed: Mannelli works without a preparatory drawing or a sketch, starting with the reference parameters that he has consolidated over the years, drawing from reality. The drawing takes shape, absorbed by the watercolour cotton paper that he works with, using pastels, watercolours and oils to highlight, with an incisive mark, using a “heavy” hand which, in some cases, almost reaches the limit of the thickness of the paper.

Nothing is left to chance and so, in editing the compositions and building up the drawing of these figures, we find points of reference rooted in the artistic tradition of the past, starting from the Tuscan 15^th century, progressing through symbolism and German expressionism and via authors like Klimt, Kokoschka and Schiele, from whom he borrows a new synthesis between soul and senses, revealed in a more intimate dimension of reality. Among his contemporaries, he is close to the neo-expressionist realism of Lucian Freud, of which he underscores the marks left by life on human bodies. From Francis Bacon he takes and presents the style which invents the body and places it in the space, on the surface of the painting, according to a movement capable of conceiving a body, granting the eye unprecedented angles and surfaces.

What is created is a simultaneous story, which runs by at high speed when the word-sign slows down, concentrating and expanding space. To quote Roland Barthes, storytelling falls within a trans-historical category, detached from time, which can be embodied in countless tangible supports, from words to actions, writings and images. Mannelli is the author of stories in which most of the atmosphere remains suspended, to stretch the imagination, to create a balance which is always precarious, to grasp the here and now, cancelling one way of storytelling and forming another, different way, with a rhythm all of its own. The rhythm of telling stories using pictures, fed also by numerous literary suggestions, ranging from Baudelaire to Rilke, from Conrad to Mann, and through to Celine (Journey to the End of the Night and Trifles for a Massacre, to begin with). It is a Blues rhythm, as indicated in the title of a series of his works, which takes on contracted or syncopated, aleatory forms, a light rhythm which becomes musical, to freeze expressions in a delicate arc of their development.

The rhythm is set by the marks of the drawing, which build up a sense of their own, capable of disturbing, seducing, astounding and convincing.

His painting is this surprise, the surprise of a story dominated by striking and exquisite moments, animated by a tenacious mythology and an almost hypnotic suggestion. No cunning effects, but a narrative condition put together with the strong and opaque clumps of the image: a blue note story told for us.