ALMA MATERIA_Dentro e oltre la materia

 

Annalù, Hagakure studio 3 (particolare), inchiostri e vetroresina, 2016, cm 144x30x40, collezione privata

La forma non agisce come un principio superiore che modelli una massa passiva, giacché si può pur sostenere che la materia imponga la propria forma alla forma. Così pure non si tratta di materia e di forma in sé, ma di materie al plurale, numerose, complesse, cangianti, aventi un aspetto e un peso, sorte dalla natura, ma non [più] naturali.

Le materie sono forme e per ciò stesso chiamano, limitano o sviluppano la vita delle forme dell'arte. [...] Ma giova osservare che questa vocazione formale non è un determinismo cieco, poiché quelle materie così ben caratterizzate, così suggestive e anche così esigenti riguardo alle forme dell'arte sulle quali esercitano una specie di attrazione, si trovan da queste, di rimbalzo, profondamente modificate.

(H. Focillon, Vita delle forme)

Ogni opera plastica implica relazioni con l'ambiente che l'accoglie, innesca rapporti con lo spazio che abita, crea interazioni con la luce che colpiscono lo sguardo e risvegliano suggestioni percettive. Quando un artista decide quale materia utilizzare per un'opera compie una scelta significativa e condizionante, perché il materiale di cui è costituita crea un'unità indivisibile con l'opera stessa, con vincoli espressivi profondi, che non sono in realtà limiti, ma piuttosto necessità proprie dell'immagine.

La creazione artistica si svela allora come processo cognitivo, capace d'indagare i limiti e le potenzialità espressive della materia e di mettere in luce come le metamorfosi che si attuano siano contenute nei segreti del dialogo serrato che esiste nella creazione stessa. Tecnica, casualità ontologica e materia come dato primordiale si incontrano nel tempo realizzativo per diventare, grazie alla sapienza della mano e all'ingegno, qualcosa d'altro, ovvero forma nuova, opera d'arte, che racchiude in sé quest'incontro che è moltiplicazione di piani diversi. 

Aron Demetz, Uomo/Donna (particolare), legno di cedro e resina di pino, cm 177/170, 2007, courtesy dell'artista

Le qualità espressive della materia si mostrano così attraverso i rapporti variabili che si creano fra l'interpretazione dell'artista e l’aderenza o meno alla sostanza fisica delle cose. L'opera prende forma come risultante di un processo coautoriale che presuppone l'ascolto di una vitalità portatrice di istanze capaci di agire anche sul piano semantico, di suggerire soluzioni e di guidare verso esiti talvolta inaspettati.

La materia “alma”, che nutre, che genera vita, emanando vibrazioni di straordinaria complessità, rivela uno spirito vitale, che necessariamente condiziona il processo creativo: chi osserva l'esito finale dell'opera subisce l’incanto delle voci celate e allo stesso tempo il mistero delle sonorità materiche svelate. Nella materia naturale così intesa si ritrova l'eco del principio platonico (ereditato dalla tradizione orientale) dell'Anima Mundi, quell'anima universale che pervade la realtà, apparentemente inanimata, di tutte le cose. Un aspetto vitalistico che può essere concepito anche nella declinazione di un compimento interno alla stessa ricerca estetica della bellezza. 

Giorgio Bevignani, Le visioni di Medusa, ferro, cotone, gesso, pigmenti fluo, nylon, cm 90x90x90, 2009

Alma materia è un percorso che travalica stili e appartenenze, classificazioni o etichette, e che trova nella scultura e nell'installazione, condotte come interrogazione della materia, i propri campi privilegiati d'indagine. L'attenzione si focalizza sulle presenze e sulle superfici che narrano atmosfere sospese e dense di suggestione: siano esse essenziali e liriche, urlate o sussurrate, comunque fuori da qualsiasi compiacimento sia tecnico che narrativo; parliamo delle dimensioni esistenziali dell’atto creativo in cui abitano le apparizioni dell’IO. É un risalire alle fonti più pure dell'esecuzione artistica, dove l'importanza dell'equilibrio sottile che unisce naturale e artificiale si manifesta e lega la naturalità originaria della materia con l’artificialità della realtà che si crea attraverso l'arte.

I materiali vengono fissati nell'immobilità di immagini pregnanti, diventando significanti (forme) che portano significato. Il “corpo” dell'opera si fa dunque essenziale e la scelta del materiale utilizzato trascende il puro senso estetico, per farsi approccio etico. La possibilità di comprendere la natura della materia, di rispettarla e di concepire la sua trasformazione per diventare opera d'arte, diventa un percorso che parte dalla percezione intuitiva della forma per arrivare fino agli aspetti più legati al contenuto.

Gli artisti esposti indagano questo concetto attraverso tecniche, materiali, temi, approcci e pratiche differenti, mettendo in luce declinazioni diverse della gamma espressiva della materia. Così il marmo, per via di togliere viene messo in luce nelle opere di Michelangelo Galliani, in cui le parti finite fanno da contraltare semantico a quelle soltanto abbozzate, messe in evidenza come espressione del mutamento di densità relativa. Le sue opere, che si presentano in apparenza dal forte richiamo classico, riescono a superare la freddezza della materia per farsi stupore dell’immagine, anche nell'accostamento narrativo con altri materiali (ardesia, piombo, stagno e oro), che diviene racconto concettuale di passaggi. Che siano evocative di tematiche legate al sacro o frammenti di volti che sembrano emergere dal passato, sono sempre contaminazioni che generano sintassi nuove e significati inaspettati e che provocano cortocircuiti con la tradizione classica. 

Graziano Pompili, Ort, travertino rosso Soraya, cm 30x28x42, 2010

Il marmo è anche materia elettiva di Graziano Pompili, le cui opere sembrano essere modellate dalla luce, che mette in evidenza il convergere dei piani e la forza espressiva delle superfici. Marmi con granulometrie diverse che splendono – come nell’etimologia della parola “marmo”- e fanno penetrare la luce dentro di essi prima di rifletterla, creando vuoti e pieni narrativi. I suoi paesaggi inaccessibili abitati da piccole case, ma anche le sue figure astratte, come Der Feldweg, sono sculture portatrici di un anima segreta che potrebbe essere pensata come parallelo visivo alla pratica dell’haiku, alla nettezza di immagini evocatrici di tempo, spazio e memoria e dense di suggestioni e di concentrazione, compresse in pochissimi versi in cui tutto diviene essenziale.

La materia è qualcosa che arriva alla mente dell’artista prima della forma, attraverso un linguaggio che parla alla mente in modo sinestetico: ecco perché anche la ricerca espressiva del simbolico può nutrirsi di una ricerca ossessiva della materia, fino a scavare nell’essenza dell’opera e fondersi totalmente con essa. Aron Demetz propone delle figure portatrici di valenze espressive complesse, realizzate in legno di cedro e coperte di resina naturale, la secrezione prodotta dalle conifere per cicatrizzare le lesioni. Sono vibrazioni intense quelle che promanano da queste figure, che appaiono come una sorta di prototipo dell'umanita (lui-lei, Adamo-Eva) e che recano con sé, attraverso una superficie che appare come pelle corrosa, una riflessione sul rapporto fra uomo e natura, fra corpo -dell'opera o dell'essere umano- e anima, dando completa coniugazione al concetto di metamorfosi. É lo scavare fino all'essenza dell'opera, che attraverso la propria superficie dà voce alle più profonde istanze dell'essere, ciò che rende queste sculture di forte impatto emotivo, evidenziando come la forma sia essenzialmente incarnazione.

Matteo Tenardi, Nulla accade*, olio e tempera su tavola sagomata, mattone e piccolo arbusto, cm 242x68, 2015

Nella grande installazione Tanzaku di Annalù l'incarnazione avviene per mezzo della resina sintetica che si fa materia fluida, architettura d'acqua di desideri-preghiere evocate da sistemi modulari liberi nello spazio e in perfetto dialogo con esso. L'mmobilità diviene cristallizzazione di uno spirito vitale, messo in luce dall'alternanza dei pieni e vuoti e dalle ombre portate, che mutano ad ogni prospettiva. L'anima della materia come dato primordiale è ciò che risalta anche nell'installazione Shangai, nella luce che attraversa le cromie trasparenti che si sovrappongono e in Hagakure, la grande foglia che diviene prototipo dell'essenza che sostanzia la materia nel suo farsi opera d'arte. Nelle opere di Annalù tutto è permeato da una leggerezza che blocca il tempo per raccontare gli attimi che creano l'eternità della forma, immergendoci in una realtà spirituale e sospesa.

La vibrazione fra la forza creatrice e la materia si ritrova, con diversa accezione, nelle opere di Giorgio Bevignani, che per le sue forme modulari si serve di materiali diversi, dal ferro al gesso alla fibra sintetica, ma sempre caratterizzate da un utilizzo materico del colore. In Bevignani il colore è vero e proprio principio plastico, corpo sostanziale delle sue opere, concepite sempre per moduli capaci di creare uno spazio proprio attraverso un'armonia data dall'alternanza dei pieni e dei vuoti e delle texture. Prendono vita così installazioni sospese che hanno una forza assertiva sinestetica e che possiedono lo stesso valore del raccontare concettualmente dei passaggi, spiegando attraverso l'impatto visivo ciò che nella filosofia si esplora con le parole.

Giuseppe Bergomi, Busto con cuffia e drappo, ceramica e mosaico, cm 42x44x23, 2015

La materia quindi può essere soggetta ad un processo di astrazione e alcune tecniche come la pittura e il disegno potrebbero far pensare alle modalità più capaci di assoggettare la concretezza e le caratteristiche della materia: in realtà anche il disegno è materia che tanto più è “risparmiata”, tanto più riceve una forza straordinaria. Nelle opere di Matteo Tenardi questo si compie attraverso figure dipinte ad olio, grafite e penna su tavola che creano lo spazio e ne “raccontano” un altro, prendendo senso nel luogo in cui si trovano. Le opere di Tenardi nascono proprio dallo spazio, interpretandolo come funzione della materia e dando vita ad ambienti scultorei, costituiti anche da oggetti “scenici”, che lo completano e rendono la materia raccontata illusione tangibile. Lo spazio, come la materia, viene conquistato e compreso, individuato per diventare opera d'arte che, come in Ennesima ipotesi per un naufragio, contiene in sé anche il processo della sua gestazione, mostrandolo attraverso le proprie fasi preparatorie.

Plasmare immagini che abitino la nostra realtà percettiva è l'esito della ricerca di Giuseppe Bergomi, che modella la materia -sia essa ceramica, bronzo o marmo- per mostrarne la vitalità, per renderne la concretezza e insieme sublimarla. Le sue figure, fondono la materialità con l'incorporeità del ricordo, in una mescolanza di tempo smarrito e ripercorso e di fasi e istanze cristallizzate. Sono forme costruite anche con la commistione di elementi diversi, come il mosaico di vetro sulla ceramica, l'acciaio corten (vero e proprio paradosso materico) con il bronzo e il marmo solcato dalla grafite – Busto con cuffia e drappo, Geometrie descrittive, Ilaria con cappello greco-, che potenziano la forma e la sua valenza semantica. Le opere di Bergomi acquisiscono poi attraverso il colore e le patine una sostanzialità che narra un ascolto intimo dell'energia naturale degli elementi con cui si confronta, allontanando il suo lavoro da mere astrazioni concettuali.

Michelangelo Galliani, Blackstars, marmo nero del Belgio e piombo, cm 65x30x40, 2016

Immergersi nelle cose, toccare la superficie del vero e avvicinarsi all'essenza, osservando anche tutti i fenomeni connessi: è così che possiamo capire cosa c'è oltre l'apparente purezza di un'immagine, entrando nel cuore dei problemi per annotare, approfondire e connettere le relazioni profonde e i percorsi fondamentali che innervano un'opera. Il risultato finale del processo creativo è sempre qualcosa di unico e irripetibile, che non può esistere al di là di quella specifica materia e forma combinate insieme e proprio la materia parla alla mente con una voce nascosta che nutre e attraversa tutti i sensi, muovendo l'artista prima della forma.

(testo in catalogo)

Alessandra Frosini

http://artoday.events/pdf/ArToday-Events-2016-Alma-Materia-72d.pdf  

Catalogo sfogliabile online:

https://issuu.com/artoday.events/docs/artoday-events-2016-alma-materia-72 

ALMA MATERIA. In and beyond matter

The form does not act as a superior principle that fashions a passive mass, for we can consider that matter imposes its own form on form. Indeed, it is not a question of matter and of form in themselves, but of matters in the plural, numerous, complex, changing, with an appearance and weight, arising from nature, but not [no longer] natural.

Matters are forms and, as such, they call forth, limit or develop the life of the forms of art. [...] But we should note that this formal vocation is not a blind determinism, because these matters that are so well characterised, so suggestive and even so demanding with regard to the art forms over which they exert a sort of attraction, are, in turn, profoundly changed by them.

(H. Focillon, The Life of Forms in Art)

Every plastic work implicates relations with the environment around it, triggering relationships with the space it inhabits, creating interactions with the light which catch the eye and reawaken perceptive suggestions. When artists decide which material to use for a work, they make a significant and conditioning choice, because the material it is made of creates an indivisible unit with the work itself, with deep expressive restrictions, which aren’t really restrictions but necessities of the image.

The artistic creation is revealed as a cognitive process, capable of investigating the limits and the expressive potential of the matter and of shedding light on how the metamorphoses that are implemented are contained in the secrets of the closed dialogue that exists in the creation itself. Technique, ontological casualness and matter as a primitive element come together in the time of creation to become something else, taking on a new form thanks to skilled hands and intellectual talent, becoming a work of art which incorporates this meeting which is the multiplication of different planes.

The expressive qualities of the matter are revealed through the variable relationships that are created between the interpretation of the artist and the adhesion, or otherwise, to the physical substance of things. The work takes shape as the result of a joint process of creation which presumes the observance of a vitality that brings with it instances capable of acting on a semantic level too, of suggesting solutions and leading to sometimes unexpected outcomes.

The “alma” matter that nourishes, that generates life, giving off extraordinarily complex vibrations, reveals a vital spirit which necessarily conditions the creative process. Those who observe the end result of the work fall under the spell of the hidden voices and, at the same time, the mystery of the material sonorities unveiled. In the natural matter seen in this way, we find the echo of the Platonic principle (inherited from oriental tradition) of the Anima Mundi, that universal soul that pervades the apparently inanimate reality of all things. A vitalistic aspect that can also be conceived in the declination of an achievement within the same aesthetic search for beauty.

Alma materia is a journey which crosses styles and groups, classifications and labels, and which finds its favourite fields of investigation in sculpture and installation, pursued as an interrogation of the matter. Attention is focused on presences and surfaces which tell of suspended atmospheres filled with suggestion: be they essential and lyrical, yelled or whispered, always far-removed from every technical and narrative complacency; we’re talking about the existential dimensions of the creative act which houses the apparitions of the INNER SELF. It traces the purest sources of artistic performance, where the importance of the subtle balance which unites natural and artificial is manifested and connects the original natural status of the matter with the artificiality of the reality created through art.

The materials are fixed in the immobility of pregnant images, becoming signifiers (forms) which convey a meaning. The “body” of the work becomes essential and the choice of the material used transcends pure aesthetic sense, to become an ethical approach. The possibility of understanding the nature of the matter, respecting it and conceiving its transformation to become a work of art, becomes a journey which starts from the intuitive perception of the form to reach those aspects linked more closely to content.

The artists on display investigate this concept with different techniques, materials, themes, approaches and practices, highlighting different nuances of the expressive range of the matter. In this way, marble, thanks to removal, is highlighted in the works of Michelangelo Galliani, in which the finished parts semantically offset those that are just rough, highlighted as an expression of the change in relative density. His works, presented apparently with a strong classic reference, succeed in overcoming the coldness of the matter to generate amazement at the image, also in the narrative combination with other materials (slate, lead, tin and gold), which becomes a conceptual telling of passages. Whether they evoke themes linked to religion or fragments of faces that seem to emerge from the past, they are always contaminations that generate new syntaxes and unexpected meanings, causing short circuits with classical tradition.

Marble is also the favourite material of Graziano Pompili, whose works seem to be moulded by light, which draws attention to the merging of the planes and the expressive force of the surfaces. Marbles with different granulometry that shine – like in the etymology of the word “marble” – and allow the light to penetrate them before reflecting it, creating narrative spaces and solids. His inaccessible landscapes, inhabited by small houses, and his abstract figures, like Der Feldweg, are sculptures which have a secret soul that could be conceived as visually parallel to the practice of haiku, to the clarity of images that evoke time, space and memory, dense with suggestions and concentration, compressed into a few verses in which everything becomes essential.

Matter is something which reaches the artist’s mind before shape, thanks to a language which speaks synesthetically to the mind: this is why even the expressive search for the symbolic can feed off an obsessive search for material, digging into the essence of the work and merging completely with it. Aron Demetz proposes figures which convey complex expressive values, made of cedar wood and covered in natural resin, the secretion produced by conifers to heal their wounds. These figures give off intense vibrations, looking like a sort of prototype of humanity (he-she, Adam-Eve), and they are accompanied, in a surface which looks like corroded skin, by a reflection on the relationship between man and nature, between body – of the work or the human being – and soul, completely conjugating the concept of metamorphosis. It is the digging into the essence of the work, which gives voice to the deepest instances of being through its surface, that gives these sculptures such a strong emotional impact, highlighting how shape is essentially incarnation.

In the big installation entitled Tanzaku by Annalù, incarnation takes place using synthetic resin which becomes fluid matter, water architecture of prayers-desires evoked by modular systems that are free in space and communicate perfectly with it. Immobility becomes the crystallisation of a vital spirit, highlighted by the alternation of spaces and solids and by the shadows created, which change from every angle. The core of matter as a primitive element is what stands out in the Shangai installation too, in the light that crosses the transparent colours that overlap one another, and in Hagakure, the big leaf that becomes a prototype of the essence that substantiates the matter in its transformation into art. In Annalù’s works, everything is permeated by a lightness that makes time stand still, to tell of the moments that create the eternity of the form, steeping us in a suspended, spiritual reality.

The vibration between creative strength and matter is also found, in a different expression, in the works of Giorgio Bevignani, who uses different materials for his modular forms, from iron to chalk and synthetic fibre, but always characterised by a textured use of colour. Colour is the real plastic principle, the substantial body of Bevignani’s works, always conceived in modules capable of creating their own space in a harmony created by the alternation of spaces and solids, and textures. This creates suspended installations which have a synesthetic assertive strength and possess the same value of the conceptual telling of passages, explaining through visual impact what words explore in philosophy.

Matter can, therefore, be subject to an abstraction process, and certain techniques, like painting and drawing, could make us think of the methods that are more capable of subjecting the tangibility and the characteristics of the matter: in actual fact, drawing too is a material which, the more it is “saved” the more it receives extraordinary strength. In Matteo Tenardi’s works, this is achieved through figures painted in oils, graphite and pen on panels which create the space and “narrate” another space, developing their meaning in the place where they are. Tenardi’s works stem from space, interpreting it on the basis of the matter and creating sculpted environments, also made up of “scenic” objects which complete it and make the matter described a tangible illusion. Space, like matter, is conquered and understood, identified to become a work of art which, like in Ennesima ipotesi per un naufragio, contains the process of its gestation, revealing it in the preparatory phases.

Moulding images that inhabit our perceptive reality is the outcome of the research of Giuseppe Bergomi, who moulds material - be it ceramic, bronze or marble - to show its vitality, to reveal its tangibility and also to exalt it. His figures merge materiality with the incorporeity of memory, in a mixture of time lost and retraced and of crystallised instances and phases. They are forms built also by combining different elements, like glass mosaic on ceramic, corten steel (a real material paradox) with bronze, and marble with graphite grooves – Busto con cuffia e drappo, Geometrie descrittive, Ilaria con cappello greco-, which strengthen shape and its semantic value. Bergomi’s works also acquire a substantiality through colour and patinas, which tells the story of an intimate attention to the natural energy of the elements encountered, taking his work away from mere conceptual abstractions.

Immersing yourself in things, touching the surface of reality and approaching its essence, observing all the pertinent phenomena too: this is how we can understand what lies beyond the apparent purity of an image, entering the heart of the problem to see, analyse and connect the deep relationships and essential processes that innervate a work. The end result of the creative process is always something unique and unrepeatable, which cannot exist beyond that specific matter and form combined together, and the matter itself speaks to the mind with a hidden voice that nourishes and crosses all the senses, moving the artist before the form.

Alessandra Frosini