E-Motion capture | Angelo Brescianini Beatrice Gallori | Aria Art Gallery - Istanbul

E-Motion Capture 

Angelo Brescianini - Beatrice Gallori

curated by Alessandra Frosini 12 April - 18 June 2018

 

Aria Art Gallery, Boğazkesen Cad. 21/A | Tophane 34425, Istanbul

 
E-Motion capture | Angelo Brescianini

Una costellazione di forme concave e convesse che nasce da gesti rapidi, da movimenti veloci quanto un batter d’occhio, carichi di una tensione che vive nell’emozione di un istante, immortalato per sempre. Angelo Brescianini realizza le sue espansioni con armi da fuoco, i cui spari imprimono e bloccano il movimento su lastre di acciaio inox specchianti, su metalli verniciati, su piombo o su vetro. Bloccare un’azione significa congelare un istante di tempo, quindi in qualche modo sfidarlo, attraverso un gesto meditato, calibrato.

Da qui nasce il parallelo con la disciplina nota come Motion capture, ovvero la registrazione e digitalizzazione del movimento istante per istante del corpo umano, utilizzata nei film di animazione e nello studio del movimento in ambito clinico. Ma se in questa il movimento viene registrato nella sua “narrazione”, in Brescianini lo è nella sua “puntualità”, nell’immediatezza. E’ come vedere l’impronta dell’idea nel suo realizzarsi, che inaspettatamente diviene qualcosa di nuovo.

Il gesto è immediato e non ci sono possibilità di errore contemplate, perché sono già state eliminate a priori. Il potere di arresto della pallottola è legato alla quantità di energia cinetica presente all'impatto e alla percentuale di questa che viene trasmessa al bersaglio. Per calibrarlo è necessario uno studio approfondito sulla materia e sugli strumenti. Per “scolpire” le sue opere dunque, Brescianini mette in atto un dialogo e un’indagine profonda sulla materia, che coinvolge, di conseguenza, anche il rapporto fra spazio, luce e forma. Non fora la materia, non passa oltre, non distrugge, ma crea, perché il suo interesse è nel mantenere quell’equilibrio precisissimo che ci parla della tensione come qualità fondante dell’arte, dove s’innestano le qualità della tecnica.

Alle spalle del suo modo unico di operare, c’è un percorso di ricerca lungo e segnato da errori, sperimentazioni e innamoramenti. La sua formazione come pittore, ebanista e scultore su legno e su metallo, ha inizio negli anni Sessanta. Il movimento è da sempre un punto focale della sua ricerca, fin da quando, negli anni Settanta, crea opere che si muovono attraverso meccanismi, per poi proseguire fino agli anni Novanta, con sculture cinetiche, in cui l’osservatore è chiamato ad intervenire per creare il movimento, o in seguito, quando l’azione sarà affidata ad automatismi meccanici. Dal 2001 Brescianini inizia la sperimentazione di nuove tecniche, abbandona la tela per le lastre di metallo e fa il suo incontro con la pistola come mezzo espressivo privilegiato per indagare il tempo e lo spazio in ipotesi compiute di un caso “che non è a caso”.

Le sue opere si nutrono di un substrato culturale che unisce l’interesse per la forza del dinamismo e la sua resa spaziale provenienti del Futurismo, con istanze provenienti dall’arte cinetica, a loro volta derivate dalle esperienze delle avanguardie storiche (i Rotoreliefs di Marcel Duchamp e il Modulatore di Luce-Spazio di Moholy-Nagy su tutti), fino a richiamare quello che Gillo Dorfles definisce “il versante oggettuale del Neoconcretismo”¹ (Castellani, Manzoni e Bonalumi soprattutto), nella progettazione di opere in cui “creatività e tecnica, concettualità e materialità, veste oggettuale ed essenza sostanziale si fondono”.

Anche quelli costruiti (perché di vero e proprio atto costruttivo si tratta, se non architettonico) da Brescianini sono quadri-oggetto di senso scultoreo, monocromi in cui il movimento non è solo quello imprigionato nella lastra, ma anche quello rimandato dalla luce sulle superfici riflettenti, che siano di acciaio lucidato a specchio o arricchite dal colore. La superficie è ritmata in innumerevoli modulazioni, in composizioni dotate di un ritmo preciso, guidata da una rigorosa progettazione geometrica, quasi un’indagine sulle ragioni del ritmo, in cui le variazioni messe in atto sono finalizzate alla resa in termini plastici di un dinamismo, che possiede in sé una forte connotazione emozionale.

Una costellazione di forme concave e convesse che hanno qualcosa anche delle onde che si espandono nell’acqua, dopo che qualcuno ha gettato un sasso. Onde concentriche che si allargano sulla superficie, mentre altri movimenti si propagano ad altre profondità, in tutte le direzioni. Istantaneamente, come un proiettile in movimento.

AF 

1 Gillo Dorfles, Ultime tendenze nell’arte d’oggi. Dall’Informale al Neo-oggettuale, nuova ed. aggiornata, Milano 2004.

(testo in catalogo)

E-Motion capture | Beatrice Gallori

Dentro le forme, fra la distesa di orizzonti e le curve che si moltiplicano, nei meandri di tracciati che si creano e si allontanano, dentro le figure geometriche semplici, nell’inerzia e nel movimento delle masse, nelle innumerevoli variazioni di direzione, nei crateri e negli agglomerati, nelle tensioni sospese: dentro scorre la vita. Sotto la pelle dell’opera si ascoltano le vibrazioni di una materia che è memoria della nostra stessa esistenza, alla ricerca di quella forma del disordine² che sta dietro al reale.

Beatrice Gallori attraverso lo studio del movimento cellulare, con le sue superfici scultoree costruite sulla tela o sul legno e col polimero plastico, mostra forme organiche che sembrano germinare sotto i nostri occhi. Il suo motion capture è una registrazione del movimento che è sostanza stessa della sua indagine, che s’inoltra nella vita e nei suoi infiniti cambiamenti, ricreando un time lapse del movimento delle cellule vitali, fermato in divenire. Allo stesso tempo la Gallori ci parla della coscienza emotiva che sta dietro alle cose: parte dall’origine di tutte le forme di vita complessa, dall'unità sostanziale degli organismi viventi, quindi da una visione di natura meccanica del mondo fisico, ma approda a riflessioni e significati che vanno oltre. La materia diventa creazione e trasformazione, mostra le forze più remote dell’essere umano, le sue pulsioni primordiali, il suo essere parte di un universo che si espande e rende possibile all’uomo una conoscenza più ampia di se stesso e delle cose, attraverso il ricordo della sua evoluzione. Così, mostrando le forze più remote dell’essere umano, il movimento diventa “emotivo” (E-Motion), “smuove e scuote” tenendo fede alla sua radice latina, perché coinvolge in una riflessione profonda su ciò che siamo e sul nostro destino e dall’indagine sul singolo si proietta verso la società.

Beatrice Gallori fa questo operando sull’ascolto della materia e sperimentandola attraverso infinite variazioni. Il disporsi dei volumi aggettanti crea raggruppamenti di masse o isola elementi, suggerendo traiettorie in cui l’influenza di un componente può creare reazioni a catena. Può esplodere fino ad oltrepassare il confine della tela, può flettere l’equilibrio costruito architettonicamente nelle sculture o dargli slancio, può scomporsi e affiorare in piccoli elementi, e può creare implosioni della materia che, erosa e trasformata, mostra la sua anima strutturale.

Alla base dell’opera, che si configura dunque come essenza e relazione al tempo stesso, c’è sempre un lavoro di montaggio che parte da una scomposizione dell’esistente, quasi ad assumere il valore di una dionisiaca distruzione e creazione della realtà.

Per questo non le interessa la geometrica perfezione delle forme, anche se la superficie ha una finitura perfettamente levigata, resa lucida e specchiante dalle innumerevoli velature di colore. Gli elementi artificiali che animano la sua arte, che si potrebbe definire “tattile”³, in equilibrio fra scultura e pittura, ricreano il dinamismo insito nelle cose, guardando allo stesso tempo anche alla perfezione plastico-cromatica degli oggetti prodotti dall’industria e all’estetizzazione dilagante, che pervade ogni ambito della vita odierna, come a dire che l’influenza reciproca fra artificialità e naturalità è ciò che crea sospensione e propulsione di vita.

Il percorso da cui nasce il lavoro della Gallori non a caso affonda le radici in una formazione legata alla moda e al design, punto di partenza per indagare il rapporto fra forma, spazio e luce. La sua pittura monocroma trasforma il supporto, sia esso tela o tavola, in un’esperienza tridimensionale, che si rapporta con l’incidenza della luce e con la sua mutabilità. E’ nel 2010 che inizia lo studio sul movimento naturale, cercando di bloccarlo in sculture che cristallizzano colate di vernice, inserendo una riflessione inedita sulla visualizzazione del tempo, sublimato e compenetrato in una visione puntuale. Dopo aver sperimentato materiali e linguaggi differenti approda nel 2011 allo studio del movimento della cellula, come minimo comune denominatore della materia animata, custode del dna e quindi elemento primario d’indagine sull’esistente. Nel farlo fonde nel suo linguaggio suggestioni provenienti dall’arte oggettuale degli anni Sessanta e Settanta, l’estetica pop dalle linee e forme geometriche e dai colori accesi, con un’attenzione allo studio del movimento che proviene dalle premesse dell’arte cinetica e poi sviluppato in certa arte concettuale contemporanea, legata all’indagine delle leggi fisiche che governano i fenomeni naturali. Tutto viene rielaborato in una sintesi inedita, che diviene una cifra stilista particolarissima e di forte impatto, per parlare del teatro della vita, indefinibile ed enigmatico, come la danza di una cellula.

AF

1 Gillo Dorfles, Ultime tendenze nell’arte d’oggi. Dall’Informale al Neo-oggettuale, nuova ed. aggiornata, Milano 2004.

2 Umberto Eco, La forma del disordine, in “Almanacco Letterario Bompiani”, Milano 1962, p.175.

3 Seguendo la definizione di Bernard Berenson “per indicare gli elementi che nell’opera d’arte creano un effetto plastico e volumetrico tale da stabilire tra l’opera e chi guarda un rapporto di natura fisica ed emozionale, basato su un piacere simile a quello derivante dall’esperienza del tatto”.

(testo in catalogo)

E-Motion Capture | Angelo Brescianini

A constellation of concave and convex shapes, that arises from rapid gestures, from movements as fast as the blink of an eye, loaded with a tension that lives in the emotion of an instant, immortalized forever. Angelo Brescianini makes his indentations with guns, in which shots imprint and block the movement on plates of stainless steel, painted metals, in lead or in glass. To block an action means freezing an instant of time, then somehow challenging it, through a meditated, calibrated gesture.

From that, rises the parallel with the discipline known as Motion Capture, namely the registration and digitalization of the instantaneous movement of the human body, used in animation films and in the study of movement in the clinical area. But if in the registration the movement is recorded during its happening and “narration”, in Brescianini’s artworks it’s recorded in its ”punctuality”, in the immediacy. It is like watching the imprint of the idea in its fulfillment, which unexpectedly becomes something new.

The gesture is immediate and there is no possibility of error contemplated, because they have already been eliminated. The bullet’s power of stopping is related to the amount of kinetic energy present at the impact and the percentage of this transmitted to the target. To calibrate it, one has to study the subject of the instrument. Therefore, to ‘sculpt’ his works, Brescianini puts into action a dialogue and a deep investigation of matter, which consequently also involves the relationship between space, light and form. It does not pierce the material, it does not go through, it does not destroy, but creates, because the interest is in maintaining that very precise balance that speaks of tension as the founding quality of art, where the qualities of technology are grafted.

Behind his unique way of working, there is a long and marked path of researching errors, experiments and falling in love. His formation as a painter, carpenter and sculptor of wood and metal, began in the sixties. The movement has always been a focal point of his research, until when, in the seventies, he created works that move through mechanisms, and then continue until the nineties with kinetic sculptures, in which the observer are called to intervene to create the movement, or later, when the action will be entrusted to mechanical automatisms. From 2001 Brescianini begins to experiment with new techniques, abandoning the canvas for plates of metals, and makes his encounter with the gun as a preferred means of expression to investigate the time and space in hypotheses made of a case “that is not by chance”.

His works is nourished by a cultural background that unites the interest for the dynamism and its spatial rendering, both coming from Futurism, with requests from kinetic art that derives from the experiences oh the historical avant-gardes (the Rotorefeliefs by Marcel Duchamp and the Light-Space Modulator of Moholy-Nagy as first), to recall what Gillo Dorfles calls ”the object side of Neoconcretism”¹ (Castellani, Manzoni e Bonalumi), all of them in a design of artworks where ”creativity and technique, conceptuality and materiality, objective garment and substantial essence come together”. Even the artworks built by Brescianini (because it is architectural or a real constructive act) are paintings-objects of a sculptural sense, monochromes in which the movement is not only imprisoned in the slab, but also sent back by the lights on the reflecting surfaces made by mirror-polished steel or enriched with colour. The surface is rhythmic in countless modulations, in compositions with a precise rhythm, guided by a rigorous geometric design, almost an investigation on the reasons of rhythm, in which the variations are aimed at the plastic performance of dynamism, which possesses in itself a strong emotional connection.

A constellation of concave and convex shapes that also have something from the waves that expand into the water, after someone has thrown a stone. Concentric waves that spread out on the surface, while other movements propagate to other depths, in other directions. Instantly, like a moving bullet. 

AF  

1 Gillo Dorfles, Ultime tendenze nell’arte d’oggi. Dall’Informale al Neo-oggettuale, new updated ed. , Milan 2004.

E-Motion capture | Beatrice Gallori

Inside the shapes, between the expanse of horizons and the curves that multiply, in the meanders of paths that are created and move away, inside the simple geometric figures, in the inertia and in the movement of the masses, in the innumerable changes of direction, in the craters and agglomerations, in the suspended tensions, inside flows life. Under the surface of the work one listens to the vibrations of a material that is a memory of one’s own existence, in search of that form of disorder1 that lies behind the real. Through the study of cellular movement, Beatrice Gallori’s shows organic forms that seem to germinate under our eyes with her sculptural surfaces made on canvas or wood and with plastic polymer. Her Motion Capture is a registration of the movement that is the same substance of her investigation, which goes through life and its infinite changes, recreating a ”time lapse” of movement of vital cells, stopped in progress. At the same time Gallori shows the emotional consciousness behind things: she starts from the origin of every form of complex life, from the substantial unit of living organisms, from a mechanical vision of the physical world, but she lands to reflections and meanings that go beyond. Matter becomes creation and transformation, it shows the most remote forces of human being, its primordial impulses, its being a part of a universe that expands, and through the memory of its evolution it makes a wider knowledge of human being and of the things available. Thus, showing the most remote forces of the human being, the movement becomes ”emotional” (E-Motion), keeping its Latin root ”moves and shakes”, because it involves deep reflection on who we are and what our destiny is, and from the investigation of the individual, it is projected towards our society. Beatrice Gallori does this by listening to the material and experimenting through infinite variations. The arrangement of the volumes creates groups of masses or isolates elements, suggesting trajectories in which the influence of a component can create chain reactions. It can explode until it crosses the boundary of the canvas, it can reflect the balance built architectonically in the sculptures and gives it a leap, it can break down and emerge in small elements, and it can create implosions of material which, eroded and transformed, shows its structural soul. At the base of the artwork, which is therefore essence and relation at the same time, there is always a work of assembling starting from a decomposition of the existing, almost taking on the value of a Dionysian destruction and creation of reality. For this reason she does not care about geometric perfection of shapes, even if the surface has a perfectly polished finish, made shiny and mirrored by the countless shades of colour. The artificial elements which animate her art, that can be defined as ”tactile”2, in balance between sculpture and painting, recreate the dynamism inherent in things, at the same time looking at the plastic-chromatic perfection of the objects made by industries and at the massive devolution of the aesthetics, which pervades every area of the contemporary life, as if to say that the mutual influence between artificiality and naturalness is what creates suspension and propulsion of life. The path from which Gallori’s work comes is not by chance rooted in a formation linked to fashion and design, a starting point to investigate the relationship between form, space and light. Her monochrome painting transforms the support, canvas or board, into a three-dimensional experience, which relates to the effect of light and its mutability. In 2010 she began studying natural movement, searching to lock it in sculptures that crystallize paint flows, inserting a new reflection on the visualization of time, sublimated and interpenetrated in a precise vision. After having experimented with materials and different languages, in 2011 she comes to the study of movement of cells, like the lowest common denominator of animate matter, guardian of DNA and therefore a primary element of investigation on the existing. In doing so, she blends in her language suggestions from the objective art of the Sixties and Seventies, pop aesthetics with lines and geometric shapes and bright colors, with an attention to the study of movement that comes from the premises of kinetic art and then developed in a certain contemporary conceptual art, linked to the investigation of the physical laws that govern natural phenomenons. Everything is reworked in an unprecedented synthesis, which becomes a very special stylistic figure with a strong impact, to talk about the theatre of life, indefinable and enigmatic, like the dance of a cell.

AF 

1 - Umberto Eco, La forma del disordine, in “Almanacco Letterario Bompiani”, Milan 1962, p.175.

2 - Remembering Bernard Berenson’s definition “in order to indicate the elements which create in the opera a plastic and volumetric effect such as to establish a physical and emotional relation between the work and the viewer, based on a pleasure similar to that deriving from the experience of touch”.